“El contenido precede al diseño. El diseño en ausencia de contenido no es diseño, es decoración”

De Jeffrey Zeldman en su Twitter.

Los chicos de idée han creado una interesante herramienta de búsqueda de fotos Creative Commons de Flickr. Lo hacen a partir de colores que nosotros les digamos, es decir si seleccionamos el azul y un tono de gris, nos va a buscar fotos con esos colores, así hasta 10 colores simultáneos. El resultado es impresionante. La herramienta se llama Multicolor Search Lab, y mejor probarlo que explicarlo.

El grupo Antena 3 recientemente ha publicado que van a cambiar las “moscas” de los logos de los canales de la TDT neox y nova para asociarlos a los números 8 y 9 del mando a distancia.

Eso es lo que se les ha ocurrido a los creativos de antena 3:

Nada más verlo se me ocurren otras fórmulas para asociar el logo con los números. Esto es un primer boceto con un trabajo mínimo solo para mostrar la idea que se me ha ocurrido:

¿Qué os parece?

Vamos con la segunda parte de este recopilatorio de logos con animales como principal temática.

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Tanner Chrisensen nos propone estas reglas para crear un logotipo. Voy a comentar algunas tomando como ejemplo el logo de nerv para ver si se ajusta a dichas reglas o no.

1. No utilices más de tres colores.

2. Deshazte de todo lo que no sea absolutamente necesario.

El diseño de este logo tiene pocos elementos superfluos.

3. La tipografía debe ser lo suficientemente sencilla como para que tu abuela la pueda leer.

A falta de un ligero rediseño, la tipografía es suficientemente clara.

4. El logo debe ser reconocible.
5. Crea una forma o layout único para el logo.

La forma es bastante reconocible y peculiar.

6. Ignora completamente lo que tus padres y/o pareja piensan del diseño.
7. Confirma que el logo se vea atractivo para más de tres (3) individuos.
8. No combines elementos de logos populares y luego digas que es trabajo original.
9. No utilices clipart bajo ninguna circunstancia.
10. El logo debe verse bien en blanco y negro.

Prueba superada.

11. Asegúrate de que el logo es reconocible al ser invertido.
12. Asegúrate de que el logo es reconocible al cambiar su tamaño.

Hay que tener un poco de imaginación para reconocerlo invertido, pero el logo ya de por si es poco común. En cuanto a reducir el tamaño, no hay problema.

13. Si el logo contiene un ícono o símbolo, además de texto, ubica a cada uno de manera que se complementen el uno al otro.
14. Evita las tendencias recientes en diseño de logos. En vez de eso, haz que tu logo se vea atemporal.

Se han evitado los gradientes, sombras, reflejos y demás tendencias 2.0.

15. No utilices efectos especiales (incluyendo, pero no limitado a: gradientes, sombras, reflejos, y rayos de luz).

No se usa ninguno de estos elementos en el logo original.

16. Ajusta el logo a un layout cuadrado en lo posible, evita los layouts rebuscados.
17. Evita los detalles intrincados.

El logo tiene unas líneas bastante simples.

18. Considera los diferentes lugares y maneras en que el logo será presentado.
19. Invoca sentimientos atrevidos y confiados, nunca aburridos y débiles.
20. Date cuenta de que no crearás el logo perfecto.
21. Utiliza líneas duras para negocios duros, y líneas suaves para negocios suaves.
22. El logo debe tener alguna conexión con lo que está representando.

Aunque no es reconocible en un primer instante, el logo simboliza una neurona con algunas conexiones, 4 en este caso. Representa la capacidad de razonamiento y el simil con la red de redes.

23. Una foto no hace un logo.
24. Debes sorprender a los consumidores con la presentación.
25. No utilices más de dos fuentes.
26. Cada elemento del logo necesita estar alineado. Izquierda, centro, derecha, arriba o abajo.

27. El logo debe verse sólido, sin elementos colgantes.
28. Entérate de quién va a ver el logo antes de pensar en ideas para ello.
29. Siempre escoge función por sobre innovación.
30. Si el nombre de la marca es memorable, el nombre de la marca debe ser el logo.
31. El logo debe ser reconocible cuando se le aplica efecto espejo.

32. Incluso las grandes compañías necesitan logos pequeños.
33. El diseño del logo le debe gustar a todos, no sólo al negocio que lo va a usar.
34. Crea variaciones. Mientras más variaciones, es más probable que llegues al correcto.
35. El logo debe verse consistente a través de múltiples plataformas.
36. El logo debe ser fácil de describir.
37. No utilices taglines en el logo.
38. Bosqueja ideas usando lápiz y papel antes de trabajar en el computador.
39. Mantén el diseño simple.

Conseguido.

40. No utilices símbolos “swoosh” ni globos terráqueos.
41. El logo no debe distraer.
42. Debe ser honesto en su representación.
43. El logo debe estar balanceado visualmente.
44. Evita los colores neón brillantes y los colores opacos, oscuros.

45. El logo no debe romper ninguna de las reglas ya mencionadas.

(Fuente: artículo de tannersite.com escrito por Tanner Christensen y traducido por Sara Salazar para nerv. )

Selección de logotipos con algún animal como tema principal. En total, 1 conejo, 2 elefantes, 1 mantis, 4 pajaros,  3 perros, 1 caballito de mar,  1 pato, 1 abeja, 2 peces, 1 antilope, 1 oso, 1 pulpo, 1 cerdo, 1 lobo, 1 gallo, 1 hipopotamo, 1 mono y 1 buho.

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Mi primer trabajo de diseño fue en una pequeña agencia de diseño de impresión en Manchester que producía el trabajo de varios medios de comunicación: embalaje, publicaciones, marketing de materiales de apoyo y… Correo directo. Pronto descubrí que los principios de diseño gráfico que había aprendido en la universidad eran de poco uso cuando diseñé para el correo directo, donde lo grande, las letras fuertes, y lo apiñado es el orden del día. En palabras de un cliente – palabras que nunca olvidaré – “un espacio en blanco es un espacio vacío”.

Creo que todos hemos tenido que pasar, a manos de jefes o exigencias del cliente, por este momento.

Los clientes del correo directo necesitan sus paquetes para permanecer en el mercado, porque trabajan para ello. Pero para todo lo demás, mi cliente no podría haber estado más lejos de la verdad.

Conocer los espacios en blanco

“Espacio en blanco” o “espacio negativo” es el espacio entre dos elementos en una composición. Más específico, el espacio entre los elementos mayores en una composición es el “macro especio en blanco”. El Micro espacio en blanco es – si, lo has adivinado – el espacio entre elementos más pequeños: entre listas de objetos, entre un título y una imagen, o entre palabras y letras. The itty-bitty stuff.

Figura 1. Macro espacio en blanco

Figura 2. Micro espacio en blanco.

Así que, ¿qué hacer con el espacio en blanco?

Micro espacio en blanco y legibilidad

Hace un par de meses, tuve bastante suerte de ver una conferencia de Erik Spiekermann. Parte de su charla se basaba en su rediseño del periódico The Economist, que en parte fue motivado por el cliente ya que su diseño era demasiado pesado y el contenido demasiado difícil para leer.

En el diseño del periódico, la información es densa. A veces, como en el diseño web, es difícil añadir espacios en blanco debido al contenido requerido. Los periódicos a menudo tratan con esto poniendo su contenido en un tipo de letra de imprenta sencilla con bastante espacio en blanco entre los caracteres. Esto era parte de la solución de Spiekermann para rediseñar The Economist.

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Estás en la mesa con colegas diseñadores, un director de arte y un director creativo. La pantalla muestra diseños hechos por ti para ser criticados colectivamente. Esta es la primera vez que todos vosotros consideraréis los conceptos iniciales. El diseño sigue, uno a uno, y el trabajo comienza a fluir.

Esta es una frase que oirás a menudo: “El diseño está en los detalles“. Con el diseño, prestando atención a los pequeños detalles – y en algunos casos, obsesivamente enfocándote en “lo que no está bien” – puedes conseguir un diseño de “casi” a “eso es” y seguir más allá.
Asisto a las reuniones en las cuales los diseñadores presentan sus diseños – normalmente en la primera ronda – por primera vez. La mitad del tiempo el diseñador que presenta los diseños muestra un producto áspero en la pantalla y piensan que el diseño está hecho al 90-100%. Pero el diseñador experto en los detalles sabe que el trabajo expuesto sólo equivale al 50-70%. Puedes ver el trabajo preliminar, la fusión, y sentir el diseño delante de ti, pero sabes que no está terminado.

El objetivo de unificar los detalles es conseguir pensar críticamente y presentar el mejor diseño posible que puedas hacer – esa es la ronda 1. En esencia, quieres que tu diseño esté listo para una presentación real al cliente. Así que, ¿cómo tener un diseño al 100%? . Algo común entre los diseñadores es sentirse que se ha precipitado: tienes una fecha límite, estás bajo presión. Pero si te preocupas por tu arte y tus ideas, te tomarás tiempo extra, quizás trabajes hasta tarde por las noches, como todos hacemos, y añadas ese toque que sabes que hará a tu trabajo brillar. Sabes que esa forma de pensar se consigue cuando piensas, “Oh, sabía que tenía que haber intentado eso” Hazlo la primera vez que se te pase por la cabeza. No permitas que alguien que revise tu diseño piense en una idea en la que ya habías pensando.

Los consejos y las técnicas fortifican cualquier herramienta del diseñador, pero debo aventurar que el pensamiento crítico sobre un diseño es tan importante como las herramientas y habilidades necesarias para producirlo.
Aquí tienes una guía de comprobación e inspiración para conseguir que un sitio esté hecho, hecho, hecho. No dejes nada sin comprobar y no dudes sobre el diseño que presentas – déjale que brille.

El Experimento

No es insólito para mí crear hasta cuatro bocetos simultáneos para solamente la primera ronda de presentaciones de diseño. Yo suelo usar esos para “dar una primera impresión” de los diseños. Una navegación o el tratamiento del logo que no funciona en un boceto podría funcionar en otro boceto. Esto te permite tener lo que yo llamo “el Hermoso Error” – colocando elementos en otros ambientes que crean posibilidades. En lugar de que un diseñador se sienta bloqueado, sin inspiración, lanzas ideas que plasmas en bocetos y ves adónde llegan. Conseguir empezar es la mitad de la batalla.

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La verdad, nadie es perfecto y nadie nunca lo será; pero la vida tiene que ver con la mejora continua de uno mismo, y con ser tan productivo como sea posible con el precioso tiempo que se nos ha otorgado. El trabajo frecuentemente consume nuestras vidas, pero si podemos llegar a ser más productivos en el trabajo y adoptar buenos hábitos, nuestra vida personal se verá beneficiada también.

Esta lista fue creada con el fin de inspirarte a elaborar tu trabajo cotidiano, llegar a estar más interesado en tu carrera, ser un diseñador más productivo y una persona más sana. No tengas reparo en agregar tus propias opiniones para ser un diseñador más productivo a la siguiente lista:

1.-Sácale provecho a tus traslados

Si realizas largos trayectos de la casa al trabajo, trata de sacarles el mayor provecho: lee un libro, consigue una laptop para empezar a utilizar tu tiempo o planear tu día.

2.-Elabora una lista de objetivos

Elaborar una lista de objetivos te asegurara el recordar cada cosa que necesitas hacer. Organiza tu lista de objetivos por importancia y tacha lo que cumpliendo, pero acepta el hecho de que tu lista probablemente nunca termine.

3.-Familiarízate con la suite de atajos para teclado de Adobe.

Aprender atajos esenciales para programas como Photoshop o Illustrator pueden ahorrarte muchas hojas de trabajo, a largo plazo.

Doy fe de ello.

4.-Mantén actualizado y libre de virus o spyware el software de tu ordenador

Desde que los diseñadores utilizan computadoras cotidianamente, es muy importante asegurarse de que estas trabajen, apropiadamente, en su máximo rendimiento, revisa el sistema por lo menos una vez a la semana.

5.-Busca por fuentes de inspiración para tus diseños

La inspiración es una parte capital de cualquier carrera artística y hay un cúmulo de sitios para encontrar inspiración tales como muestras de diseño, museos, portafolios on line y galerías de diseño gráfico.

6.-Permanece integrado a la comunidad de diseñadores

Unirse a foros de diseño, comentar en blogs, escribir artículos y participar en seminarios, son solo algunas de las maneras de poder estar más relacionado con la comunidad de diseñadores.

7.-Asiste a eventos de diseño, espectáculos o seminarios de aprendizaje

Cada año se efectúan muchas conferencias, eventos y seminarios sobre diseño. Si trabajas en una compañía, ellos pueden pagar esos eventos para que asistas, a fin de que te mantengas actualizadas tus habilidades e infraestructura.

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Gustavo de webdefotografía.es nos propone 8 técnicas para mejorar nuestras fotografías mediante Photoshop.

El post-procesado (o edición de fotos) es lo que convierte una buena foto en una gran foto. Las cámaras generan un buen punto de partida pero con el post-procesado es cuando ocurre la mágia. Si te estás aburriendo con tu arsenal de técnicas de Photoshop actual, prueba con alguno de estos trucos de post-procesado para potenciar tu estilo artistico.

Los 8 puntos son:

• Color de alto contraste.
• Blanco y negro contrastado.
• Alta saturación de color.
• Estilo vintage.
• Estilo Lomo.
• Texturizado.
• Añadir viñeteo.
• Añadir ruido y grano.