“El contenido precede al diseño. El diseño en ausencia de contenido no es diseño, es decoración”

De Jeffrey Zeldman en su Twitter.

Eso es lo que se les ha ocurrido a los creativos de antena 3:

Nada más verlo se me ocurren otras fórmulas para asociar el logo con los números. Esto es un primer boceto con un trabajo mínimo solo para mostrar la idea que se me ha ocurrido:

¿Qué os parece?

(Extraidos de logopond.com)

1. No utilices más de tres colores.

2. Deshazte de todo lo que no sea absolutamente necesario.

El diseño de este logo tiene pocos elementos superfluos.

3. La tipografía debe ser lo suficientemente sencilla como para que tu abuela la pueda leer.

A falta de un ligero rediseño, la tipografía es suficientemente clara.

4. El logo debe ser reconocible.
5. Crea una forma o layout único para el logo.

La forma es bastante reconocible y peculiar.

6. Ignora completamente lo que tus padres y/o pareja piensan del diseño.
7. Confirma que el logo se vea atractivo para más de tres (3) individuos.
8. No combines elementos de logos populares y luego digas que es trabajo original.
9. No utilices clipart bajo ninguna circunstancia.
10. El logo debe verse bien en blanco y negro.

Prueba superada.

11. Asegúrate de que el logo es reconocible al ser invertido.
12. Asegúrate de que el logo es reconocible al cambiar su tamaño.

Hay que tener un poco de imaginación para reconocerlo invertido, pero el logo ya de por si es poco común. En cuanto a reducir el tamaño, no hay problema.

13. Si el logo contiene un ícono o símbolo, además de texto, ubica a cada uno de manera que se complementen el uno al otro.
14. Evita las tendencias recientes en diseño de logos. En vez de eso, haz que tu logo se vea atemporal.

Se han evitado los gradientes, sombras, reflejos y demás tendencias 2.0.

15. No utilices efectos especiales (incluyendo, pero no limitado a: gradientes, sombras, reflejos, y rayos de luz).

No se usa ninguno de estos elementos en el logo original.

16. Ajusta el logo a un layout cuadrado en lo posible, evita los layouts rebuscados.
17. Evita los detalles intrincados.

El logo tiene unas líneas bastante simples.

18. Considera los diferentes lugares y maneras en que el logo será presentado.
19. Invoca sentimientos atrevidos y confiados, nunca aburridos y débiles.
20. Date cuenta de que no crearás el logo perfecto.
21. Utiliza líneas duras para negocios duros, y líneas suaves para negocios suaves.
22. El logo debe tener alguna conexión con lo que está representando.

Aunque no es reconocible en un primer instante, el logo simboliza una neurona con algunas conexiones, 4 en este caso. Representa la capacidad de razonamiento y el simil con la red de redes.

23. Una foto no hace un logo.
24. Debes sorprender a los consumidores con la presentación.
25. No utilices más de dos fuentes.
26. Cada elemento del logo necesita estar alineado. Izquierda, centro, derecha, arriba o abajo.

27. El logo debe verse sólido, sin elementos colgantes.
28. Entérate de quién va a ver el logo antes de pensar en ideas para ello.
29. Siempre escoge función por sobre innovación.
30. Si el nombre de la marca es memorable, el nombre de la marca debe ser el logo.
31. El logo debe ser reconocible cuando se le aplica efecto espejo.

32. Incluso las grandes compañías necesitan logos pequeños.
33. El diseño del logo le debe gustar a todos, no sólo al negocio que lo va a usar.
34. Crea variaciones. Mientras más variaciones, es más probable que llegues al correcto.
35. El logo debe verse consistente a través de múltiples plataformas.
36. El logo debe ser fácil de describir.
37. No utilices taglines en el logo.
38. Bosqueja ideas usando lápiz y papel antes de trabajar en el computador.
39. Mantén el diseño simple.

Conseguido.

40. No utilices símbolos “swoosh” ni globos terráqueos.
41. El logo no debe distraer.
42. Debe ser honesto en su representación.
43. El logo debe estar balanceado visualmente.
44. Evita los colores neón brillantes y los colores opacos, oscuros.

45. El logo no debe romper ninguna de las reglas ya mencionadas.

(Fuente: artículo de tannersite.com escrito por Tanner Christensen y traducido por Sara Salazar para nerv. )

También tienes la segunda parte 30 logos de animales

Creo que todos hemos tenido que pasar, a manos de jefes o exigencias del cliente, por este momento.

Los clientes del correo directo necesitan sus paquetes para permanecer en el mercado, porque trabajan para ello. Pero para todo lo demás, mi cliente no podría haber estado más lejos de la verdad.

Conocer los espacios en blanco

“Espacio en blanco” o “espacio negativo” es el espacio entre dos elementos en una composición. Más específico, el espacio entre los elementos mayores en una composición es el “macro especio en blanco”. El Micro espacio en blanco es – si, lo has adivinado – el espacio entre elementos más pequeños: entre listas de objetos, entre un título y una imagen, o entre palabras y letras. The itty-bitty stuff.

Figura 1. Macro espacio en blanco

Figura 2. Micro espacio en blanco.

Así que, ¿qué hacer con el espacio en blanco?

Micro espacio en blanco y legibilidad

Hace un par de meses, tuve bastante suerte de ver una conferencia de Erik Spiekermann. Parte de su charla se basaba en su rediseño del periódico The Economist, que en parte fue motivado por el cliente ya que su diseño era demasiado pesado y el contenido demasiado difícil para leer.

En el diseño del periódico, la información es densa. A veces, como en el diseño web, es difícil añadir espacios en blanco debido al contenido requerido. Los periódicos a menudo tratan con esto poniendo su contenido en un tipo de letra de imprenta sencilla con bastante espacio en blanco entre los caracteres. Esto era parte de la solución de Spiekermann para rediseñar The Economist.

Mientras se conservaba la rareza del tipo de imprenta original de The Economist, Spiekermann lo rediseñó ligeramente, añadiendo más espacios en blanco a los caracteres individuales. Entonces puso una tipografía ligeramente más pequeña y con más resalte. Todos estos cambios añadieron un micro espacio en blanco al diseño. El resultado total era sutil: el contenido era más legible y el sentimiento total del periódico era ligero, aún cuando la cantidad de contenido seguía siendo la misma.

Aunque Spiekermann también añadiera un macro espacio en blanco y color al The Economist su acertado rediseño de la tipografía demuestra que el espacio entre los elementos más pequeños puede tener un impacto grande sobre la eficacia de un diseño – y esto se aplica también al diseño web.

Posicionamiento de la marca

Los diseñadores usan los espacios en blanco para crear un sentimiento de sofisticación y elegancia para las marcas. Junto con un empleo elegante de tipografía y fotografía, el generoso espacio en blanco es visto por todas partes como un mercado de lujo. Los cosméticos, por ejemplo, usan extensos espacios en blanco en su material de marketing para decir al lector que son sofisticados, de la alta calidad, y generalmente caro.

Mi viejo cliente de correo directo estaba en lo cierto en su evaluación del espacio en blanco para su producto en particular, porque los paquetes de correo directo tienen que aparecer por debajo del mercado para trabajar – y la adición del espacio en blanco a su diseño le habría prestado a su paquete una calidad indeseablemente alta. Tome el ejemplo siguiente.

Figura 3. Ejemplos de correo directo vs. Diseño de lujo.

El contenido es el mismo en ambos diseños, al igual que los otros elementos, así como la fotografía. Aunque los dos diseños están terminados son opuestos en cuanto a la marca. Menos espacio en blanco = barato; más espacio en blanco = lujo.

Mucho más entra en juego la colocación de la marca que el espacio en blanco, pero al igual que un pedido llega a tu escritorio para una marca de lujo, es muy probable que el cliente – y su objetivo, la audiencia – espere que el espacio en blanco y todo lo demás alinee el producto con el de sus competidores.

Espacio en blanco activo y pasivo

El espacio en blanco a menudo es usado para crear un equilibrio, un diseño armonioso. Uno en el que “se sienta” bien. Esto también puede llevar al lector a un viaje por el diseño de la misma forma que deja una “habitación” en una fotografía de retrato para posicionar el objeto en el centro del marco y examinar el espacio restante. Cuando es espacio en blanco es usado para conducir al lector de un elemento a otro se le llama “espacio en blanco activo”.

Vamos a echar un vistazo al siguiente ejemplo antes de que sea aplicado el espacio en blanco activo:

Figura 4. Texto antes de añadir el espacio en blanco.

Todo está bastante apretado. Tenemos que añadir espacios en blanco para crear la armonía y la comodidad visual en el diseño. Primero, añado márgenes, cambio la tipografía y el tamaño, y también aumento el interespacio (o la altura de línea, como se conoce en CSS). Esto es “espacio en blanco pasivo“.

Figura 5. Texto con espacio en blanco pasivo.

Unos podrían argumentar que el espacio en blanco pasivo es el espacio no considerado presente en una composición. Yo discrepo: si no consideras todo tu espacio en blanco, eso es un mal diseño. El espacio en blanco pasivo crea un espacio que respira y da equilibrio. Eso es importante.

Aunque aún no lo hemos hecho. Dentro de este contenido hay algo que quiero que el lector le preste atención: la segunda cita. Podría destacar este elemento con un color diferente o hacerle una tipografía mayor, pero en este caso, simplemente he añadido un macro espacio en blanco alrededor del elemento para conducir al ojo del usuario, entonces reduzco el micro espacio en blanco dentro de la tipografía para hacerla en negritas y fuerte.

Figure 6. Después de que el espacio en blanco activo haya sido añadido.

Esto es el espacio en blanco activo – espacio en blanco añadido a una composición es mejor que enfatizar o estructurar información.

Práctica, práctica, práctica

El único camino para conjugar esto con un concepto tan subjetivo como el espacio en blanco es el de la práctica. De la misma forma que los expertos en artes marciales tienen que pasar horas y horas perfilando técnicas simples, los diseñadores gráficos han de hacer lo mismo. Los estudiantes de diseño gráfico han realizado ejercicios compositivos durante décadas y, por suerte para nosotros, algunas leyendas de diseño de años pasados han documentado el proceso. Emil Ruder es uno de mis favoritos.

Ruder fue un tipógrafo suizo que murió en 1970. Después de 21 años de enseñar la tipografía, sacó un libro llamado Typography: A Design Manual (Tipografía: Manual de diseño), en cual declara:

El libro está deliberadamente restringido a la tipografía pura, al funcionamiento con los tipos prefabricados que son subordinados a un sistema exacto de medidas. Su objetivo es de hacer evidente las leyes de tipografía y – a pesar de ciertos rasgos comunes – el contraste entre ellos y el diseño gráfico que tanto en la selección como en su uso, es más libre y más complejo.

Las enseñanzas de Ruder son blancas y negras, focalizándose sobre la tipografía y la sutileza de diseño con los formularios de cartas. Ruder te lleva por lo correcto y lo incorrecto, un gran lugar para a aprender los principios fundamentales de composición. El libro está hasta los topes de grandes ejercicios que cubren el espacio en blanco y otros dispositivos compositivos. Es caro, pero bien vale ese precio.

Una vez que sepas diseñar y manipular el exterior espacial, dentro, y alrededor de su contenido, serás capaz de dar a tus lectores un comienzo, productos de posición más precisos, y quizás incluso comenzar a ver tu propio contenido con una nueva luz.

(Fuente: artículo de alistapart.com escrito por Mark Boulton y traducido por Encarni para nerv. )

Esta es una frase que oirás a menudo: “El diseño está en los detalles“. Con el diseño, prestando atención a los pequeños detalles – y en algunos casos, obsesivamente enfocándote en “lo que no está bien” – puedes conseguir un diseño de “casi” a “eso es” y seguir más allá.
Asisto a las reuniones en las cuales los diseñadores presentan sus diseños – normalmente en la primera ronda – por primera vez. La mitad del tiempo el diseñador que presenta los diseños muestra un producto áspero en la pantalla y piensan que el diseño está hecho al 90-100%. Pero el diseñador experto en los detalles sabe que el trabajo expuesto sólo equivale al 50-70%. Puedes ver el trabajo preliminar, la fusión, y sentir el diseño delante de ti, pero sabes que no está terminado.

El objetivo de unificar los detalles es conseguir pensar críticamente y presentar el mejor diseño posible que puedas hacer – esa es la ronda 1. En esencia, quieres que tu diseño esté listo para una presentación real al cliente. Así que, ¿cómo tener un diseño al 100%? . Algo común entre los diseñadores es sentirse que se ha precipitado: tienes una fecha límite, estás bajo presión. Pero si te preocupas por tu arte y tus ideas, te tomarás tiempo extra, quizás trabajes hasta tarde por las noches, como todos hacemos, y añadas ese toque que sabes que hará a tu trabajo brillar. Sabes que esa forma de pensar se consigue cuando piensas, “Oh, sabía que tenía que haber intentado eso” Hazlo la primera vez que se te pase por la cabeza. No permitas que alguien que revise tu diseño piense en una idea en la que ya habías pensando.

Los consejos y las técnicas fortifican cualquier herramienta del diseñador, pero debo aventurar que el pensamiento crítico sobre un diseño es tan importante como las herramientas y habilidades necesarias para producirlo.
Aquí tienes una guía de comprobación e inspiración para conseguir que un sitio esté hecho, hecho, hecho. No dejes nada sin comprobar y no dudes sobre el diseño que presentas – déjale que brille.

El Experimento

No es insólito para mí crear hasta cuatro bocetos simultáneos para solamente la primera ronda de presentaciones de diseño. Yo suelo usar esos para “dar una primera impresión” de los diseños. Una navegación o el tratamiento del logo que no funciona en un boceto podría funcionar en otro boceto. Esto te permite tener lo que yo llamo “el Hermoso Error” – colocando elementos en otros ambientes que crean posibilidades. En lugar de que un diseñador se sienta bloqueado, sin inspiración, lanzas ideas que plasmas en bocetos y ves adónde llegan. Conseguir empezar es la mitad de la batalla.

Siguiendo con lo mismo, no tengas miedo de empezar. Si algo no funciona, ciérralo y tíralo a la basura. Si crees que la navegación es demasiado bonita, recuerda cómo la hiciste y comienza desde ese punto en el siguiente diseño. La meta es refinar, una y otra vez.

Opciones

Hay muchas elecciones que se pueden hacer cuando estás diseñando – tanto el tipo, los colores, el tono del sitio. Algunas veces, me gusta lanzar muchas cosas en un diseño para ver lo que encaja y algunas veces empiezo con lo mínimo. Esfuérzate en hacer elecciones simples y sencillas. Si hay una forma más fácil de diseñar algo, hazlo. La elección complicada será complicada para el cliente y su audiencia potencial a menos que puedas construir una compleja interacción que parezca simple.

Sé constante

Una vez que hagas las elecciones, llévalas a cabo. Si eliges rellenar los artículos con columnas de 10 pixeles pero usas 15 píxeles en las áreas de texto largo, asegúrate que los bocetos reflejan esas decisiones. Guarda apuntes mientras diseñas – de este modo formarás una buena base para una guía de estilo. La consistencia demuestra la sofisticación y muestra que entendiste totalmente y tomaste decisiones razonables. La consistencia debería ser transparente.

Finalización

Termina el diseño. No pierdas ni un pié de página ni ningún detalle. No digas, “eso se rellenará más tarde – No tuve tiempo”. Saca el tiempo para ello. No des ninguna razón a los otros para torpedear el diseño o permitir que alguien se fije en los pequeños detalles – desechando el resto del trabajo. Son esos pequeños detalles los que merecen tu atención. Los directores creativos, los directores de arte y especialmente los clientes perseverarán en detalles como estos así que asegúrate de que los detalles estén ahí.

Avanza, retrocede, vuelve atrás: equilibrio

Durante un diseño, lo mejor es dejar el mismo de vez en cuando – incluso sólo para almorzar o para descansar 15 minutos. Mira algo más. Vuelve y mira de nuevo tu diseño. Piensa en tus primeras impresiones. Tu propia reacción probablemente sea similar a la de aquellos que lo ven por primera vez. Toma nota y revisa o cambia tu diseño basándote en esas impresiones. Independientemente de lo “chulo” o “perfecto” que pudiera ser un elemento, si no sirve para tu diseño de una forma útil, deshazte de ello e intenta algo nuevo. Distánciate siempre y reconsidera tu diseño.

Cierto como la vida misma

Sé tu propio crítico

Si conoces bien al equipo con el que trabajas normalmente, el cliente, o las necesidades del cliente, mira tu diseño como si estuviera cerca de terminarse y piensa en aquellas partes que, potencialmente, pueden plantear preguntas o preocupaciones. Ten una respuesta sólida para las decisiones que has tomado.

Complejidad es simplicidad: menos es más

Cuando hablamos de “menos es más”, nos referimos a cosas diferentes. Por ejemplo, algunas veces el diseño necesita reducirse. Tiene demasiados elementos. O un diseño se ahoga con tantos colores. Cuando hacemos un trabajo en los detalles, “menos es más” es dejar una sola cosa que es necesaria y hacerla armoniosa. Permitir que la complejidad esté en la simplicidad – un diseño no es útil cuando se percibe como complejo. Un diseño debería ser útil, simple y franco – permitir que la complejidad brille a través de la simplicidad.

La obsesión es sana

Si no me siento bien con la navegación o con un widget multimedia que muestra fotografías, me siento y construyo un pequeño boceto hasta que encuentro algo que encaja. El diseño es un puzzle que puedes crear tú mismo – tienes todas las piezas, pero eres tú quien decide cómo juntarlas. La perfección no es algo para lo que haya que esforzarse, pero estar cerca es perfecto – deja especio para la exploración, el diálogo y el estudio.

Me encuentro pensando sobre diseños. Estoy trabajando en diferentes periodos del día – en la ducha, haciendo la cena, o paseando en la tienda de la esquina. Pequeños, momentos tranquilos cuando tengo brechas y resuelvo problemas. Esos son las veces en las que aparecen los detalles adecuados. Esto no es facturable a menudo, pero es un buen ejercicio para pensar sobre el diseño antes de ponerte a ello. Yo no diseño mucho usando lápiz y papel; me gusta permitir que el diseño se filtre y crezca en mi mente antes de ponerme a ello en una pantalla. Imagino la forma, el sentido, y los detalles. Me encantan los detalles.

Trabajar los detalles no es fácil. Toma su tiempo, inspiración e imaginación. Es, sin embargo, una práctica muy buena – te permite cultivar tu ojo crítico para ayudarte a tí mismo y a tus compañeros diseñadores. Confía en los detalles y tus diseños destacarán.

(Fuente: Alistapart.com, traducido por Encarni para nerv)

Esta lista fue creada con el fin de inspirarte a elaborar tu trabajo cotidiano, llegar a estar más interesado en tu carrera, ser un diseñador más productivo y una persona más sana. No tengas reparo en agregar tus propias opiniones para ser un diseñador más productivo a la siguiente lista:

1.-Sácale provecho a tus traslados

Si realizas largos trayectos de la casa al trabajo, trata de sacarles el mayor provecho: lee un libro, consigue una laptop para empezar a utilizar tu tiempo o planear tu día.

2.-Elabora una lista de objetivos

Elaborar una lista de objetivos te asegurara el recordar cada cosa que necesitas hacer. Organiza tu lista de objetivos por importancia y tacha lo que cumpliendo, pero acepta el hecho de que tu lista probablemente nunca termine.

3.-Familiarízate con la suite de atajos para teclado de Adobe.

Aprender atajos esenciales para programas como Photoshop o Illustrator pueden ahorrarte muchas hojas de trabajo, a largo plazo.

Doy fe de ello.

4.-Mantén actualizado y libre de virus o spyware el software de tu ordenador

Desde que los diseñadores utilizan computadoras cotidianamente, es muy importante asegurarse de que estas trabajen, apropiadamente, en su máximo rendimiento, revisa el sistema por lo menos una vez a la semana.

5.-Busca por fuentes de inspiración para tus diseños

La inspiración es una parte capital de cualquier carrera artística y hay un cúmulo de sitios para encontrar inspiración tales como muestras de diseño, museos, portafolios on line y galerías de diseño gráfico.

6.-Permanece integrado a la comunidad de diseñadores

Unirse a foros de diseño, comentar en blogs, escribir artículos y participar en seminarios, son solo algunas de las maneras de poder estar más relacionado con la comunidad de diseñadores.

7.-Asiste a eventos de diseño, espectáculos o seminarios de aprendizaje

Cada año se efectúan muchas conferencias, eventos y seminarios sobre diseño. Si trabajas en una compañía, ellos pueden pagar esos eventos para que asistas, a fin de que te mantengas actualizadas tus habilidades e infraestructura.

8.-Lee libros sobre teoría e historia del diseño

El número de libros sobre diseño que están disponibles es abrumador; así que escoge un tema que interese como teoría del diseño y consigue algunos libros para que leas en tu tiempo libre. Un gran libro es “Como ser un diseñador gráfico sin perder tu alma”

9.-Lee entrevistas sobre otros diseñadores gráficos.

Las entrevistas son frecuentemente reveladoras, y sacan a la luz muchos secretos y grandes claves acerca de diseñadores exitosos, es asombroso cuanto se puede aprender de estas breves entrevistas.

10.-Únete a organizaciones de diseño grafico

Unirse a las organizaciones de diseño gráfico puede traerte numerosos beneficios, y es una gran manera de tener acceso a recursos e infraestructura. La Sociedad de Artistas Gráficos y AIGA son solo algunas de las organizaciones que puedes considerar para afiliarte.

11.-Aprende a aceptar las críticas constructivas

Este es un tópico común y relevante para muchos estudiantes, y aún profesionales, del diseño. El tiempo que te tome aceptar críticas constructivas personales, será el tiempo que te sea preciso para mejorar como diseñador.

12.-No temas pedir ayuda

Si no sabes cómo hacer algo, no pierdas tu tiempo pretendiendo hacerlo, solicita amablemente algún auxilio para así poder enfocarte a otro asunto lo más pronto posible.

13.-Aprende a laborar con fuentes externas y delega funciones

Si tu “muerdes más de lo que masticas” es casi siempre una mejor idea trabajar por fuera con alguien en quien confíes, y así escapes de un estrés de muerte. El proyecto final se tornará más provechoso si trabajas en equipo y delegas labores a otros.

Si tienes suerte y a los que delegas el trabajo saben hacerlo bien, sin duda. De otro modo el estrés se multiplicará por 3…

14.-Utiliza Google Reader y sigue los blogs de diseño

Google Reader es un gran lector online de RSS que te permitirá seguir fácilmente la marcha de todos tus blogs de diseño favoritos.

Personalmente uso netvibes, pero hay muchos donde escoger.

15.-Utiliza Google Calendar para mantenerte al tanto de eventos importantes

Google Calendar es un software gratuito y sobresaliente, que te ayudara a organizar todos tus eventos importantes.

16.-Programa tu cliente de correo para checar por mensajes nuevos lo menos frecuente posible

Revisar por mensajes nuevos tu correo cada 5 minutos puede ser fuente de muchas distracciones. Si revisas esto pocas veces al día, entonces, podrás tener tiempo para realizar más trabajos.

Es un buen consejo, pero hay que tener cuidado, un correo leido demasiado tarde puede hacerte retroceder 1 dia de diseño o más

17.- Elabora contratos estándar con tus clientes manejando tiempos por adelantado

Es una buena idea tener a un abogado para que te auxilie a crear contratos estándar con tiempos por anticipado, para que tú puedas tener programado tu tiempo y no tengas que preocuparte por perderlo con contratos obtenidos posteriormente.

18.- Elabora facturas y estimaciones presupuesto estandarizadas

El manejar facturas y estimados de presupuesto amablemente diseñados es una muestra de profesionalismo y puede ser la ruta para conseguir un nuevo cliente. Asegúrate de imprimir copias para ti mismo, para propósitos de archivo, a fin de tener como referencias si se requiere en alguna ocasión.

19.- Crea plantillas de correo

Teclear por tantos años ha desgastado realmente mi mano para escribir, y tener esquemas predeterminados de correo no sólo protege a todos de mi fea escritura manual, sino que además ahorra tiempo.

20.- Organiza todos tus documentos impresos por lo menos una vez a la semana

Hoy día los documentos de trabajo pueden acumularse rápidamente, y tenerlos bajo control puede llegar a ser una pesadilla. Utiliza carpetas en un gabinete de archivos que este bien señalado, para organizar todos los papeles importantes para ti.

21.- Organiza tus archivos fuente por lo menos una vez a la semana

Organizar tus archivos es aun más importante que organizar tus papeles. Debes tener carpetas y subcarpetas para cada cliente y crear respaldos de tus archivos en varios recursos externos.

22.- Desarrolla un sistema de etiquetado de archivos estándar

Etiquetar tus archivos en un modo específico puede hacer mucho más fácil para ti buscar por ciertos archivos cuando los necesites rápidamente.

23.- Trata de mantener tus fines de semana libres de trabajo

Es fácil consumirse con el trabajo, y mantener los fines de semana libres de labores es una buena manera de asegurarte de que no te agotarás o tendrás un desvanecimiento. ¡Así que no olvides disfrutar la vida plenamente los fines de semana!

24.- Ejercítate regularmente y toma alimentos al aire fresco

Esto, aunque siempre aparece en las listas de productividad, nadie lo hace. Puede parecer difícil, pero aun tan sólo 20 minutos de ejercicio 3 veces a la semana, pueden tener un gran impacto en tu salud general.

25.- Haz ejercicios para las manos cada cierto tiempo, para ayudar a combatir el síndrome del túnel carpiano

Usar el teclado 8 horas al día por años enteros, es una manera fácil de gastarte las manos, así que hacer ejercicios cada cierto tiempo ayuda a proteger tus manos de un potencial daño permanente.

Si sólo fueran 8…

(Fuente: artículo de youthedesigner escrito por Gino y traducido por Jesús Ademir Morales Rojas para nerv. )

El post-procesado (o edición de fotos) es lo que convierte una buena foto en una gran foto. Las cámaras generan un buen punto de partida pero con el post-procesado es cuando ocurre la mágia. Si te estás aburriendo con tu arsenal de técnicas de Photoshop actual, prueba con alguno de estos trucos de post-procesado para potenciar tu estilo artistico.

Los 8 puntos son:

• Color de alto contraste.
• Blanco y negro contrastado.
• Alta saturación de color.
• Estilo vintage.
• Estilo Lomo.
• Texturizado.
• Añadir viñeteo.
• Añadir ruido y grano.